jueves, 27 de octubre de 2016
Orquesta romántica
LA ORQUESTA ROMÁNTICA (siglo XIX)
Destaca en esta época el perfeccionamiento técnico de las
válvulas y mecanismos de los instrumentos de viento metal, que mejoraron su
flexibilidad, especialmente en el registro agudo, cobrando un nuevo
protagonismo. El trombón se establece como integrante de la orquesta. También se
refuerzan los graves con los nuevos prototipos de tubas. Se añade también el
arpa, así como el piccolo, el clarinete bajo, el corno inglés, el contrafagot,
la celesta... El piano aparece ocasionalmente como miembro de la orquesta, no
únicamente como solista. La percusión es la sección que más tardará en tomar su
forma definitiva, utilizándose instrumentos como las castañuelas y los platos
para conseguir diversos efectos sonoros. El papel de director se independiza
definitivamente del primer violín, llegando finalmente a ser considerado un
artista por derecho propio, un intérprete cuyo instrumento es la orquesta.
La orquesta experimenta un gran desarrollo, sobre todo
gracias a los avances de Hector Berlioz y Richard Wagner. El número de
instrumentistas sigue aumentando hasta el siglo XX, lo que obliga a incluir más
cuerdas, maderas y percusión, para conseguir un equilibrio tímbrico.
Berlioz, por ejemplo, llegó a componer obras para ser interpretadas por más de
500 músicos. En el siglo XX, los compositores escribieron para orquestas de
inmenso tamaño. Gustav Mahler compuso la que se conoce como Sinfonía de
los mil por el gran número de ejecutantes que precisa: gran coro y
doble orquesta sinfónica.
Neoclasicismo
El neoclasicismo
Fue una corriente de la música contemporánea del siglo XIX-XX que se manifestó especialmente en el periodo de entre guerras, en las décadas 1920 y 1940.
Sus características son un retorno a los grupos instrumentales pequeños (de cámara) en lugar de la gran orquesta; uso de la técnica del concerto grosso; énfasis sobre las cualidades contrapuntísticas; y la elusión de la expresión "emocional" típica del romanticismo que surgió durante muchos años.
La principal intencion de los artistas neoclasicos era representar sus ideas mediante el empleo de algo bello. La musica deja de representar emociones exageradas y evita acompañamientos pesados o melodias recargadas. El estilo neoclasico musical es un reflejo de estos pensamientos: - Desaparece el bajo continuo y en su lugar se acompaña con los acordes repetidos, con arpegios.
Compositores:
Después de la I Guerra Mundial varios compositores como Ígor Stravinski y Paul Hindemith realizaron composiciones donde se notaba un retorno a los cánones del clasicismo de la escuela de Viena (de Haydn y Mozart) y del barroco, especialmente Johann Sebastian Bach, aunque con una armonía mucho más disonante y rítmicas irregulares. Ese movimiento o tipo de música se denominó "neoclasicismo".
Fue una corriente de la música contemporánea del siglo XIX-XX que se manifestó especialmente en el periodo de entre guerras, en las décadas 1920 y 1940.
Sus características son un retorno a los grupos instrumentales pequeños (de cámara) en lugar de la gran orquesta; uso de la técnica del concerto grosso; énfasis sobre las cualidades contrapuntísticas; y la elusión de la expresión "emocional" típica del romanticismo que surgió durante muchos años.
La principal intencion de los artistas neoclasicos era representar sus ideas mediante el empleo de algo bello. La musica deja de representar emociones exageradas y evita acompañamientos pesados o melodias recargadas. El estilo neoclasico musical es un reflejo de estos pensamientos: - Desaparece el bajo continuo y en su lugar se acompaña con los acordes repetidos, con arpegios.
Compositores:
Después de la I Guerra Mundial varios compositores como Ígor Stravinski y Paul Hindemith realizaron composiciones donde se notaba un retorno a los cánones del clasicismo de la escuela de Viena (de Haydn y Mozart) y del barroco, especialmente Johann Sebastian Bach, aunque con una armonía mucho más disonante y rítmicas irregulares. Ese movimiento o tipo de música se denominó "neoclasicismo".
Orquesta filarmonica
ORQUESTA FILARMÓNICA
La orquesta sinfónica u orquesta filarmónica es una
agrupación o conjunto musical de gran tamaño que cuenta con varias familias de
instrumentos musicales, como el viento madera, viento metal, percusión y cuerda
. Una orquesta sinfónica o filarmónica tiene, generalmente,
más de ochenta músicos en su lista.
El término orquesta se deriva de un término latino que se
usaba para nombrar a la zona frente al escenario destinada al coro y significa
‘lugar para bailar'.
La orquesta filarmónica moderna tiene su origen en Europa,
concretamente en Francia y Gran Bretaña en los siglos XVll y XVlll. Esta
modalidad musical proviene de las antiguas orquestas de cámara que tocaban en
los salones y palacios de las cortes.
La orquesta está formada por cuatro familias o secciones:
los instrumentos de cuerda, los de aliento de madera, los de aliento de metal y
los de percusión. La clasificación de los instrumentos musicales se realiza de
forma sistemática en función de los materiales empleados, su forma de ejecución,
evolución histórica y su localización en el escenario. La clasificación obedece
a la forma de producir el sonido y a la forma en que se tocan y construyen.
Según el sonido, participan de manera principal los instrumentos de cuerda de arco (como el violín, la viola o el violonchelo, los cuales son similares en su estructura y el más pequeño produce sonidos agudos y el de mayor tamaño sonidos más graves). A esta familia de instrumentos hay que añadir otros dos: el arpa y el piano.
Según el sonido, participan de manera principal los instrumentos de cuerda de arco (como el violín, la viola o el violonchelo, los cuales son similares en su estructura y el más pequeño produce sonidos agudos y el de mayor tamaño sonidos más graves). A esta familia de instrumentos hay que añadir otros dos: el arpa y el piano.
El Poema Sinfónico
Es la nueva forma orquestal nacida en el Romanticismo. Su
finalidad es mover sentimientos y despertar sensaciones,
o descubrir una escena mediante la música.
Normalmente consta de un único movimiento y está escrito para orquesta, también está escrita para solistas o pequeñas formaciones musicales. Suele estar inspirado en elemento literales.
También se puede conocer como música programática, su estructura musical se desarrolla según el programa que el autor quiere expresar con sonidos.
Destacan 3 compositores:
Normalmente consta de un único movimiento y está escrito para orquesta, también está escrita para solistas o pequeñas formaciones musicales. Suele estar inspirado en elemento literales.
También se puede conocer como música programática, su estructura musical se desarrolla según el programa que el autor quiere expresar con sonidos.
Destacan 3 compositores:
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Héctor Berlioz (Sinfonía Fantástica)
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Franz Listz (Trece Poemas Sinfónicos)
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Richard Strauss (Muerte y Transfiguración)
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Un poema sinfónico es una obra de origen extra musical, de
carácter poético literario, cuya finalidad es mover sentimientos y despertar
sensaciones, o describir una escena mediante la música. Generalmente consta de
un único movimiento y está escrito para orquesta, aunque puede ser para piano o
para pequeñas formaciones instrumentales
Música en el periodos impresionista
IMPRESIONISMO
La música impresionista es la tendencia musical que surgió
en Francia a finales del siglo XIX.
Influenciado por los pintores impresionistas franceses y por
la poesía de Paul Verlaine, Charles Baudelaire y Stéphane Mallarmé,
y cuyo principal representante es Claude Debussy.
Se caracteriza por una escritura no lineal en el tiempo sino
como una sucesión de impresiones. En las formas impresionistas lo que
importa es el colorido o sonoridad de cada acorde con independencia de las
disonancias que estos puedan llegar a crear con sus choques con los demás
acordes.
En las obras se podían llegar a emplear escalas
orientales y exóticas. Además, las formas no tienen una estructura clara, ya
que no presentan puntos climáticos o largas frases claramente distinguibles.
Las formas utilizadas fueron: sinfonía, poema sinfónico, obertura, rondó, romanza, variaciones sinfónicas, suite, sonata o preludios
Las formas utilizadas fueron: sinfonía, poema sinfónico, obertura, rondó, romanza, variaciones sinfónicas, suite, sonata o preludios
PRINCIPALES AUTORES IMPRESIONISTAS
· René
Amengual
· André
Caplet
· Claude
Debussy
· Frederick
Delius
· Paul
Dukas
· Maurice
Ravel
· Alexis
Roland-Manuel
· Albert
Roussel
· Florent
Schmitt
Orquesta de Cámara
ORQUESTA DE CÁMARA:
El término orquesta
de cámara abarca todo tipo de conjuntos instrumentales, con la única condición
de poseer tal tipo de orquesta un tamaño pequeño. Al igual que con la música de
cámara, el complemento de cámara se refiere al salón en la que se desarrollaban
(en su origen los salones de música de los palacios y grandes residencias del
siglo XVII).
Las orquestas de cámara pueden clasificarse en:
- Orquesta
barroca: conjunto de instrumentos de cuerdas frotadas más o menos estándar
y reducido número, con intervenciones ocasionales de otros instrumentos,
en especial como solistas. Se forma a partir de las obras de Corelli, y va
aumentando en la primera mitad del siglo XVIII como se observa en las
obras de Bach, Lully o Rameau. Debe tenerse en cuenta que no entran aquí
las orquestas de ópera barroca, que tienen una composición más numerosa y
variada.
- Conjuntos
instrumentales indefinidos para música de cámara, como los necesarios para
los Divertimenti de Mozart, el Septimino de Beethoven, y obras semejantes
que emplean conjuntos reducidos y no estandarizados.
- Conjuntos
contemporáneos que, aunque ya no son "para el salón", tienen una
formación instrumental reducida o poco común.
El Dúo, integrado por: ( piano y violin; guitarra y violín)
El Trío, integrado por : (Violín, Violonchelo y Piano)
El Cuarteto de cuerda, el cual está integrado por dos violines, una viola, y ún violonchelo.
El Quinteto,
conformado por: (dos violines, dos violas, y violonchelo)
Periodo nacionalista
PERIODO NACIONALISTA
El Nacionalismo en música se
refiere al uso de materiales que son reconocibles como nacionales o regionales.
Por ejemplo, el uso directo de la música folclórica, y el uso de melodías, ritmos y armonías inspirados
por la misma.
El nacionalismo también incluye el uso del folclore como
base conceptual, estética e ideológica de obras programáticas u óperas.
El nacionalismo es comúnmente relacionado al romanticismo musical de mediados del siglo XIX hasta
mediados del siglo XX, pero hay ya evidencias del nacionalismo tanto a
inicios como a finales del siglo XVIII.
En el siglo XIX ha
sido considerado como una reacción contra el dominio de la música romántica alemana.
Origen
El nacionalismo tuvo su apogeo al final de la época
romántica. Es el resurgimiento de una serie de naciones que se encontraban al
margen de la creación musical. El amor al terruño despertó la tendencia al cultivo
de una música de carácter nacional. Se propusieron elevar lo folklórico a la
forma culta.
Características de la música nacionalista
. Búsqueda de la esencia popular a través del folklore.
. Sentimiento de rebelión de países subyugados.
. Reacción contra la excesiva influencia de compositores
germanos.
. Asimilación de los caracteres específicos utilizados por
los compositores para la creación (ritmos de danzas, escalas, giros melódicos,
estilo instrumental) como expresión de nación.
. Tema central: danza y canción popular.
. Búsqueda de la unión entre la música y la poesía.
. Incorporación a la orquesta de nuevos instrumentos de
percusión lo que motivó la creación de nuevos efectos.
FORMAS MUSICALES DEL PERIODO
NACIONALISTA:
El poema sinfónico, el ballet, la ópera y la cancón.
COMPOSITORES NACIONALISTAS POR PAIS:
Checoslovaquia: Bedřich Smetana, Antonín Dvořák, Leoš
Janáček.
Polonia: Frédéric Chopin, Stanisław Moniuszko
Hungría: Béla Bartók, Zoltán Kodály.
Noruega: Edward Grieg
Finlandia: Jean Sibelius
España: Isaac Albéniz, Enrique Granados, Joaquín Turina,
Manuel de Falla.
México: Manuel M.Ponce, Carlos Chávez, José Pablo Moncayo,
Silvestre Revueltas, Salvador Contreras Sánchez.
Chile: Pedro Humberto Allende Sarón.
Venezuela: Antonio Estévez
Reino Unido: Joseph Parry, Charles Villiers Stanford,
Alexander Mackenzie
Estados Unidos:Charles Cadman, Arthur Farwell.
Adornos musicales
Adornos musicales
Los adornos musicales o signos son recursos que pueden ser utilizados en las composiciones con el objetivo de imprimirles una mayor impresión , ornamento y variedad
Los adornos musicales se pueden representar por medio de pequeñas notas que se colocan antes o a continuación de la nota principal.
De forma más formal se les denomina ornamentaciones; las más usadas son: la apoyadura, el grupeto, la cadencia, el trino y el mordete.
Estos adornos aparecieron a raíz del clave, que no permitía tocar con los matices ni con las articulaciones.
La apoyadura
Estas apoyaduras pueden ser la breve y la doble; la breve se escribe con una sola nota y tachada, mientras la doble con dos semicorcheas, que son también pequeñas. Este efecto se undica pues con pequeñas notas antes de la principal, colocándose un grado abajo o arriba de la nota a la que afecta.
El mordete
Este adorno, el mordete, es muy parecido a la apoyadura; aunque en este caso los grados de las notas musicales son conjuntos. El mordete es inferior cuando la nota que se utiliza es ascendente.
El trino
La repetición de dos notas de forma rápida y alternada es lo que conocemos como adorno de trino. Para que sea trino, las dos notas tienen que estar a intervalo de un tono o medio tono. El símbolo que representa este adorno son las letras "tr".
La nota de paso
lleva por grados conjuntos o cromáticamente de una nota a otra (aparecen señaladas por el círculo rojo):
Las notas de paso ocurren en las partes débiles del compás o tiempo.
La bordadura
es una o más notas que rodean a la nota principal por grados conjuntos o cromáticamente. Puede ser ascendente (superior) o descendente (inferior):
La bordadura ocurre en la parte débil del compás o tiempo.
FORMAS MUSICALES DEL ROMANTICISMO
FORMAS MUSICALES DEL ROMANTICISMO
Para piano: sonatas, fantasías y todo tipo de formas
nuevas más libres, música de cámara con otros instrumentos, conciertos
para piano y orquesta,etc. (Beethoven,
Chopin,Schumann,Schubert,Brahms,Liszt...)
Cortas piezas
pianísticas
.
Siendo una de las características básicas del romanticismo la originalidad, surgen muchas obras que difícilmente pueden ser encasilladas en formas musicales específicas, pero todas tienen en común el ser de cortas dimensiones y ser ejecutadas al piano. Estas composiciones forman el grueso de las Cortas piezas pianísticas.
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Siendo una de las características básicas del romanticismo la originalidad, surgen muchas obras que difícilmente pueden ser encasilladas en formas musicales específicas, pero todas tienen en común el ser de cortas dimensiones y ser ejecutadas al piano. Estas composiciones forman el grueso de las Cortas piezas pianísticas.
Para violín: estudios, fantasías, sonatas, música de
cámara con otros instrumentos, el cuarteto de cuerdas especialmente y
conciertos para violín y orquesta (Beethoven, Brahms,
Paganini,Sarasate...)
Impromptu:
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Significa o es sinónimo de improvisación. Es una pequeña composición instrumental de estilo brillante y de forma libre escrita en un sólo movimiento.
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Significa o es sinónimo de improvisación. Es una pequeña composición instrumental de estilo brillante y de forma libre escrita en un sólo movimiento.
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Estudio
.
Originalmente fue una composición que tenía por objeto que el ejecutante mejorara su nivel técnico a través de su estudio y ejecución. Pero las composiciones de este tipo llegaron a tener un nivel tan extraordinario que se convirtieron en temas con los cuales el ejecutante podía demostrar su alto nivel técnico alcanzado en el estudio de su instrumento musical (primordialmente el piano).
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Originalmente fue una composición que tenía por objeto que el ejecutante mejorara su nivel técnico a través de su estudio y ejecución. Pero las composiciones de este tipo llegaron a tener un nivel tan extraordinario que se convirtieron en temas con los cuales el ejecutante podía demostrar su alto nivel técnico alcanzado en el estudio de su instrumento musical (primordialmente el piano).
Para voz: lied, música religiosa y ópera (Rossini,Bellini,Verdi,Wagner,R.Strauss,Bizet,Puccini...)
El Lied
.
El término lied hace referencia a una composición de cortas dimensiones para ser interpretada por la voz humana acompañada de pocos instrumentos, regularmente por el piano. El término Lied significa "canción". Es una forma musical alemana y se reconoce a Franz Schubert como el creador del Lied alemán moderno. Schumann es otro de los propulsores de esta forma musical
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El término lied hace referencia a una composición de cortas dimensiones para ser interpretada por la voz humana acompañada de pocos instrumentos, regularmente por el piano. El término Lied significa "canción". Es una forma musical alemana y se reconoce a Franz Schubert como el creador del Lied alemán moderno. Schumann es otro de los propulsores de esta forma musical
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Rapsodia
.
Forma musical de estructura libre, de un solo movimiento, en el cual se presentan arrebatos musicales basados en los ritmos tradicionales de los países. Liszt es de sus más grandes exponentes con sus Rapsodias Húngaras.
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Forma musical de estructura libre, de un solo movimiento, en el cual se presentan arrebatos musicales basados en los ritmos tradicionales de los países. Liszt es de sus más grandes exponentes con sus Rapsodias Húngaras.
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También durante el
romanticismo se da el nacimiento de la Opereta (que desmitifica a los
personajes legendarios de la mitología) y el Vals, como uno de los principales
bailes de salón.
http://maestro_abdhull.blogia.com/2006/053002-formas-musicales-del-periodo-rom-ntico.php
http://estaestumusica.blogspot.mx/2010/05/el-romanticismo-musical-compositores-y.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Categor%C3%ADa:G%C3%A9neros_y_formas_musicales_del_Romanticismo
miércoles, 12 de octubre de 2016
Periodo romántico
PERIODO ROMÁNTICO
Se desarrolla durante el siglo XIX y principios del siglo XX aproximadamente
La música en este periodo es la más valorada de entre todas las artes: al ser la más abstracta e intangible de las artes puede llegar a regiones del alma humana dónde no pueden hacerlo ni las palabras ni las imágenes
PERIODOS
Primer romanticismo: Beethoven , Schubrt y Rossini
Romanticismo pleno: Chopin, Liszt , Schumann , Berlioz, Mendelssohn , Bellini , Verdi , Wagner.
Romanticismo tardío: Brahms , Saint-Saens
Posromanticismo: Richard Strauss, Mahler,Puccini
El compositor romántico abandona la rigidez del clasicismo para buscar una expresión más directa y apasionada de sentimientos y emociones individuales.
Características
Interes por los temas relacionados con lo exotico y con el pasado
Interés por las grandes formas: sinfonía y concierto que se expanden y modifican y también un gusto por pequeñas formas para piano y voz
Gran riqueza de matices: uso constante del crescendo y diminuendo, junto con espectaculares contrastes entre fortísimo y pianissimo.
Gusto por el virtuosismo y por la técnica
Uso de melodías bellas y apasionadas.
- LA MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL ROMANTICISMO
La música orquestal.
La orquesta romántica crece en tamaño y extensión. Una orquesta romántica está compuesta por unos 95 músicos. En la sección de viento se añaden instrumentos como: el piccolo, la tuba, el contrafagot, el clarinete bajo, el corno inglés y el saxofón. En la sección de percusión ahora hay cuatro timbales y se incorporan el gong, el bombo, la celesta, la marimba. Para salvaguardar el equilibrio sonoro se llega a duplicar el número de instrumentos de cuerda. Un número tan grande de instrumentistas exige la aparición de la figura del director de orquesta cuya labor consiste en unificar la interpretación de la partitura
: L. V. Beethoven (1770-1827): compone nueve sinfonías apreciándose signos románticos a partir de la tercera. F. Schubert (1797-1828), F. Mendelssohn (1809-1847), R. Schumann (1810-1856). H. Berlioz (1803-1869): creador de la sinfonía programática. F. Liszt (1811-1886): compositor de importantes poemas sinfónicos, J. Brahms (1833-1897).
Música para piano.
Durante ésta época el piano gozará de importantes perfeccionamientos que posibilitarán el virtuosismo y los contrastes acentuados en la sonoridad, imprescindibles para la expresión del mundo interior del compositor romántico. En la música para piano destacan una enorme variedad de pequeñas formas todas ellas caracterizadas por estar poco supeditadas a fórmulas preestablecidas. Esta libertad en cuanto a la forma permite al músico expresarse con total libertad, siguiendo únicamente su inspiración. Entre estas formas podemos citar: nocturnos, impromptu, estudios, baladas, polonesas, mazurcas, polcas, etc
La ópera en el romanticismo.
El romanticismo es la Edad de Oro de la ópera.La burguesía llenaba los teatros para deleitarce de las bellas piezas.
Busco una unidad entre texto y música
Alemania: precedido por C. M. Von Weber (1786-1826), R. Wagner (1813-1883) es una de las personalidades más influyentes del siglo XIX.
Francia: París se constituye en el romanticismo en el centro de la ópera. Entre los autores franceses podemos destacar: G. Meyerberr (1791-1864) y G. Bizet (1838-1875).
Rusia: podemos destacar la vida del zar, de M. Glinka ((1804-1857), y Boris Godunov, de M. Mussorgsky (1839-1881).
cybergrafías:
http://es.slideshare.net/rosarioa.slide/la-msica-en-el-romanticismo-7740556
https://depmusica.wikispaces.com/file/view/LA+M%C3%9ASICA+EN+EL+ROMANTICISMO.pdf
https://historiadelamusica.wordpress.com/2013/06/05/la-opera-romantica/
http://www.historiayarte.net/a-arte-romanico.html
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